Imperméable ? Beaucoup de mes œuvres libres relèvent d'un concept thématique, auquel j'ai attribué le titre quelque peu cryptique de Imperméable ? Le terme français "imperméable" signifie quelque chose comme imperméable ou impénétrable. J'utilise ce terme comme une métaphore autour de la perception que nous, en tant qu'individus, avons de la façon dont nous pouvons vraiment pénétrer l'essence des choses matérielles et immatérielles qui nous entourent. Plus particulièrement, je m'intéresse à l'interaction entre l'individu et son environnement ; la perception de sa propre existence, de sa psyché, d'où il tire son identité ; et la vulnérabilité de cette identité dans son parcours errant à travers le labyrinthe d'événements sur lesquels il n'a pas de prise.

La Première Guerre mondiale Un élément important de ce concept a toujours été la Première Guerre mondiale, un phénomène sans précédent et, à mon avis, toujours considéré comme le macabre final de la transformation culturelle la plus profonde de l'histoire humaine. Sur cette base, j'ai créé au début de ce siècle l'objet Imperméable percé (~l'imperméable perforé~). Deux colosses en bois dans la forme casque/tête, comme mentionné sous Kranos, chacun pesant environ 350 kg. Ils se composent de plaques massives axiales de différentes épaisseurs avec des interruptions correspondantes. Les deux sont le complément l'un de l'autre et forment une unité de deux antagonistes. Un trou traverse diagonalement les deux sculptures, comme perforé par un projectile. De face, ils présentent l'aspect d'un code-barres tridimensionnel. La représentation de la dégénérescence de l'individu humain en un article jetable sans volonté, dépourvu de toute identité propre. Il a toujours été mon ambition de fournir à Imperméable percé un logement approprié quelque part sur l'ancien front occidental entre Ypres et Verdun, en tant que souvenir vivant de la Grande Guerre, comme la Première Guerre mondiale est encore appelée dans les pays environnants. J'ai délibérément choisi le bois pour cette œuvre en raison de la nature organique et vulnérable du matériau, mais le concept pourrait également être le prélude à une réalisation beaucoup plus grande, d'environ 10 mètres de haut ; une composition en acier de toilettes publiques qui s'enfonce lentement dans la boue et rouille au fil du temps en une masse amorphe. Un reliquat lentement disparaissant dans le temps, attaqué par les éléments.

Introduction Les frères Franck et Gerard Sonnemans ont tous deux choisi une carrière artistique pour pouvoir saisir et commenter les évolutions du monde qui les entoure. Cela semblait être la seule similitude entre leurs travaux. Gerard écrit des livres pour jeunes sur des héros et des victimes (mais souvent les héros deviennent des victimes, ou vice versa…). Franck crée des sculptures et des peintures avec un fond philosophique, souvent inspirées par les horreurs de la Première Guerre mondiale. Mais ils ont découvert qu'il y avait bien plus de liens thématiques entre leurs œuvres lorsque Gerard a écrit un livre se déroulant dans le refuge d'Uden pendant cette guerre. L'exposition 'Fuir ou Combattre' à Uden montre comment Franck et Gerard, chacun à sa manière, ont traité le déracinement et l'aliénation des réfugiés de guerre ou des soldats au front dans une expression artistique. Ils veulent ainsi inciter les spectateurs/lecteurs à réfléchir sur la folie de la guerre et de la violence. Cette webquest stimule non seulement ce processus de réflexion, mais t'invite également à le transposer dans ta propre œuvre d'art. Que choisis-tu ?

Drulon De 1999 à 2019, les jardins de sculptures Jardins de Drulon, situés autour du château du même nom au centre de la France, ont prospéré. Chaque année, on pouvait voir la participation de plusieurs artistes, exposant des œuvres existantes ou intégrant de nouvelles créations dans le paysage. Il s'agissait d'un groupe international comprenant notamment des contributions de la Cercle Néerlandais des Sculpteurs. En tant que co-initiateur, je regrette profondément que le projet ait dû fermer ses portes pour des raisons budgétaires. (Salut à mon cher ami Piet…)

Quelques-unes de mes œuvres sur le domaine de Drulon :

~ Ici vous quittez le paradis ~

▒ Portail en bois ; lamelles en Perspex avec impression ; 360 x 250 x 30 Passage à double sens d'un paysage à l'autre ; impression : -l'expulsion du paradis- (Michel-Ange).

~ Paysage obscur ~

▒ Acier inoxydable ; plexiglas ; 220 x 50 x 2 Le paysage est-il une marchandise ( ?..)

~ L’ orgueil d’ Ulysse ~

▒ Plâtre ; revêtement noir et bronze ; taille réelle L'insatiable désir de l'homme de pénétrer malgré tout dans les territoires inconnus interdits par les dieux. Dante, Divina Commedia, Inferno, XXVI, 85-142

~ Communauté décapitée ~

▒ Acier inoxydable ─ 220 x 30 x 15 ; verre ─ 60 x 45 x 2 Monument commémoratif pour les travailleurs forcés du Centre-Limbourg, déportés de Venlo vers l'Allemagne nazie en octobre 1944. Installé à Helden, Nederweert et Venlo.

Oeil-de-bœuf * s'inscrit dans la série d'objets tels qu'Elagabal et Imperméable. (voir aussi Kranos) On peut le considérer comme une sculpture autonome, mais aussi comme une maquette architecturale.

▒ Travertin, bois, laiton, carrelage dimensions avec socle : 160 x 120 x 80

Une forme de tête/casque sans sommet avec des passages suggérant des yeux, un nez, une bouche et des oreilles. Le choix délibéré du matériau de la pierre calcaire (travertin) évoque symboliquement les os humains.

Il représente l'interaction sensorielle entre l'extérieur et l'intérieur, contenu dans une structure semblable à un amphithéâtre. À l'intérieur se trouve une arène, le point focal de la "perception". C'est le théâtre où la transition de la perception à la pensée se déroule. Des processus constamment changeants ont lieu ici, des réactions émotionnelles telles que le dégoût et le divertissement à la développement de nouvelles idées et de nouvelles réflexions. Les structures en échafaudage intégrées en elle semblent atteindre à travers un toit crânien imaginaire ; elles font référence à la construction de la recherche vers la pensée transcendante illimitée.

* Oeil-de-boeuf se traduit littéralement par "œil de bœuf". Outre (1) l'œil d'un bœuf, le terme désigne également (2) une fenêtre ronde dans un bâtiment et (3) un cheval avec un élargissement de l'œil, ce qui rend l'animal myope et très nerveux.

Sur Elagabal : ou El Gebal (Ilah ha-Gabal : seigneur de la montagne). Elagabal était une ancienne divinité solaire phénicienne-syrienne dont le culte était étroitement lié à divers cultes solaires dans l'ancienne Égypte et au Moyen-Orient.

Elagabal Elagabal est une sculpture solaire/éolienne qui peut être considérée à la fois comme une œuvre autonome et comme une maquette architecturale. Il s'agit d'une sculpture en forme de tête/casque creux, revêtue à l'extérieur d'environ 1500 petits blocs de marbre blanc de Carrare polis. Le tout repose sur une structure en bois effilée en forme de montagne, similaire à une ziggourat, avec un escalier en colimaçon au centre. Dimensions totales : 160 x 120 x 150 cm. À l'Université d'Eindhoven, j'ai fait réaliser une étude de faisabilité architecturale pour déterminer si Elagabal pourrait également être construit avec un diamètre de plus de 20 mètres. Les résultats de l'étude se sont révélés positifs. En utilisant des techniques de construction avancées (béton projeté sur une "structure en ballon"), il est possible de construire une coupole autoportante dans laquelle les forces de pression sont bien réparties tout autour.

À quoi ressemble la structure alors ? Elagabal représente ainsi le concept d'un objet solaire/éolien beaucoup plus grand à réaliser. Une structure en forme de dôme, indépendante dans une plaine ensoleillée ou sur une colline. La base est ovale, avec une longueur d'environ 20 mètres. La hauteur du dôme est d'environ 12 mètres. La couverture extérieure est faite de tuiles réfléchissantes blanches, de marbre ou de céramique. À l'intérieur, l'espace est hermétiquement clos et accessible uniquement par un escalier souterrain. La façade du bâtiment s'oriente le long de l'axe sud. Sur cette façade sud, 17 fenêtres prismatiques sont disposées d'est en ouest à un angle de 53° par rapport à la verticale. Comme on le sait, l'orbite du soleil va de l'est à l'ouest, mais l'angle d'incidence de la lumière varie progressivement au fil des saisons en raison du déplacement de l'axe de la terre par rapport au soleil. Les fenêtres prismatiques d'Elagabal divergeront donc progressivement la lumière du soleil en fonction de sa position, ce qui signifie qu'au fil de l'année, des déplacements subtils des couleurs spectrales de la lumière solaire incidente seront perceptibles à l'intérieur de l'espace. De plus, un orgue éolien composé de 32 tuyaux d'orgue est installé autour du toit en dôme, à travers lesquels, en fonction de la direction du vent, des tonalités de flûte plus élevées ou plus basses sont transportées à l'intérieur. Ainsi, chaque jour à l'intérieur de l'espace, il y aura une expérience différente de la lumière et du son. Parfois, cette expérience sera également minimale, comme par temps calme et/ou ciel très nuageux.

La "contenu" de la construction fait réf De contenu formel du bâtiment est littéralement vide. Et cela doit rester ainsi. Donc, pas d'obstacles et pas d'expositions... Fondamentalement, il s'agit de vivre le vide de cet espace vide. L'objectif est de rendre visuellement ou tangiblement visible l'apparente invisibilité du vide de cette manière. Comment capture-t-on l'air, la lumière ou le vide ? Vous êtes constamment ballotté ici entre les interprétations subtiles de concepts simples : ~ contenu, espace et vide ~ ; littéralement et métaphoriquement. Dans cet environnement, vous êtes également complètement renvoyé à vous-même et à vos sensations primaires. Pour certains, ce sera un espace de contemplation, pour d'autres, une voûte claustrophobique. Rick Vercauteren a bien décrit l'espace intérieur de cet objet comme "complet".

Il lato scuro del sole (It.: ..Le côté sombre de la soleil..). D'une part, c'est une image autonome. Grâce à la construction partiellement ouverte, il sert également d'explication à l'intérieur de son pendant en marbre, Elagabal.

Depuis la nuit des temps, dans presque toutes les cultures, le soleil a été reconnu comme une source omnipotente de toute vie. Cela a conféré au soleil un statut divin suprême, en l'honneur duquel divers cultes plus ou moins identiques ont émergé. Les services de culte autour du soleil étaient souvent dirigés par des grands prêtres dont la position était fréquemment liée à l'autorité suprême. Les pharaons, rois, empereurs représentaient souvent la toute-puissance du soleil ou se faisaient même élever à son incarnation. Comme les empereurs romains plus tardifs, qui portaient le titre honorifique de Sol invictus : - Le Soleil invincible -.

Le côté obscur du soleil est une référence à l'arrogance du pouvoir. Le dôme de l'objet, avec sa couronne de rayons à l'extérieur, fait allusion au soleil sur terre, ce qui devrait exprimer la grandeur rayonnante d'un dirigeant. Illustratifs sont des personnages comme Ramsès II, Héliogabale et Louis XIV, le Roi-Soleil. À l'intérieur de l'objet, cependant, la voûte et le sol sont d'un noir d'encre, faisant perdre tout sens des dimensions. Les seuls points de repère sont la lumière et le son qui pénètrent respectivement par une série de prismes et de tuyaux d'orgue. Ces deux éléments reçoivent ici une signification totalement différente de celle d'Elagabal. Au lieu de rayonner, la lumière et le son sont ici simplement absorbés et aspirés dans le vide. La sculpture représente ainsi la suffisance et la glorification ostentatoires : le côté sombre du pouvoir...

Récemment, j'ai découvert sur une colline en Allemagne une structure de l'architecte suisse Peter Zumthor, la chapelle Bruder Klaus à Mechernich-Wachendorf. Ce qui m'a frappé, c'est qu'il était parti d'un concept de perception plus ou moins similaire à celui d'Elagabal et du côté obscur du soleil. Pour mieux visualiser l'effet intérieur de mes deux objets, j'ai pris la liberté d'inclure quelques photos de la chapelle de Zumthor ici sur ce site.

Les "objets de cheval".

Dans de plupart des œuvres, le phénomène du cheval joue un rôle fondamental. Ce rôle va au-delà de la simple forme quadrupède ; il est utilisé comme métaphore.

Le thème central fait également ici référence à la Première Guerre mondiale. D'une part, il y a une réflexion sur les quelque 10 millions de chevaux et de mulets qui ont perdu la vie lors de leur déploiement sur le front... D'autre part, le cheval joue un rôle plus métaphorique. Il devient le porteur de l'imagination de l'âme humaine tourmentée.

Le cheval permet particulièrement de représenter des abstractions émotionnelles. Dans des images telles que Destriero et Cheval de bataille, des aspects opposés luttent pour prendre le dessus : la force et l'élégance contre la terreur de la mort et la mutilation. Les formes de chevaux dans une arène ou un abattoir en tant qu'êtres organiques vulnérables et sans défense, menacés au sein d'un environnement étranger créé par l'homme, d'où il est impossible de s'échapper.

▒ Hêtre, bronze, travertin persan.

Dimensions : 60 x 40 x 40.

Ercole nel bosco (Il s'agit d'un terme italien ; Hercule dans la forêt) est une sculpture autonome, qui peut également être considérée comme une maquette pour une installation plus grande dans un paysage vallonné.

L'objet raconte les épreuves du héros classique Hercule (en grec : Héraclès) ; une métaphore pour les défis et les obstacles auxquels l'homme est confronté. D'un côté, il y a 12 segments de hêtre incurvés et effilés, unilatéralement peints dans un vernis transparent vert toxique. En haut, ils sont divisés, comme s'il s'agissait de langues de serpent. Ils représentent les 12 travaux quasi impossibles imposés à Hercule par les dieux. De l'autre côté, une figure de bronze, Hercule, avance courageusement vers eux. Bien que les bras et la tête manquent, la figure dégage de la force et de la détermination.

Pour une impression optimale de l'ensemble, il est important de positionner correctement par rapport à la lumière du soleil. Lorsque la lumière matinale de l'est éclaire l'arrière de la forêt, cela semble jeter une ombre menaçante sur la figure qui semble insignifiante. Cependant, lorsque la lumière vient plus tard de l'ouest, les rôles entre les antagonistes semblent inversés et la figure semble plutôt menaçante.

Concept : Porte de Janus

Emplacement : Rotonde de Blerick / Blariacumcollege

Motivation Dans les années 2006-2007, le Blariacumcollege à Blerick a fait construire de nouveaux bâtiments sur le terrain du quadrant nord-ouest de l'intersection à angle droit de la Drie Decembersingel et de la Burgemeester Gommansstraat. Le nouveau bâtiment scolaire est un exemple remarquable d'architecture moderne. Il a indéniablement un aspect futuriste. Non seulement en raison de la forme ovale du plan au sol, mais aussi en raison de la continuation transparente de ce plan au sol dans les étages supérieurs et de l'utilisation appropriée des matériaux et des couleurs. Il est également important de noter que le bâtiment a été doté de son autonomie spatiale. Il n'est pas simplement encombré quelque part, mais il peut "respirer" librement sur son propre territoire étendu.

Le bâtiment se dirige plus ou moins frontalement vers l'intersection des rues mentionnées le long de son axe longitudinal. Une rond-point a été aménagée à cette intersection, de sorte que ce rond-point se trouve spatialement clairement sous l'influence du bâtiment. Étant étroitement lié à Blariacumcollege et à sa philosophie, je pense que toute application artistique sur ce rond-point devrait être conceptuellement et formellement en relation avec l'école et son bâtiment autant que possible.

En tant qu'établissement d'enseignement, le Blariacumcollege considère que sa principale mission est non seulement de transmettre des connaissances, mais surtout de promouvoir l'intégration sociale. Métaphoriquement, il se voit donc comme un passage ou une porte pour tous les élèves sur la voie de l'assimilation des connaissances et de l'intégration. Mon concept pour l'aménagement de cette sculpture sur la rond-point souhaite refléter cette idée. En plus de souligner le passage entre les deux rues, la Porte de Janus est également une sorte de satellite symbolique du bâtiment, qui semble survoler la cour avant de l'école.

Pour la plupart des Néerlandais, le nom Janus peut évoquer une association plutôt banale, mais je suis convaincu que ce symbole de Janus à cet endroit fera converger de manière surprenante de nombreuses pièces du puzzle contemporaines et historiques en un seul endroit.

Janus (Ianus) est l'un des dieux romains les plus anciens et les plus importants. Dans la mythologie romaine, Janus était le dieu des processus de transition au sein du complexe en constante évolution et de désintégration perpétuelle qui nous entoure. Il était le dieu des passages, du commencement et de la fin, de l'ouverture et de la fermeture. C'est pourquoi la porte (ianua) portait son nom. Janus était représenté comme un dieu à deux visages regardant dans des directions opposées (Janus bifrons), ce qui signifiait qu'il pouvait voir à la fois le futur et le passé en même temps. Dans cette dualité, il représentait souvent non seulement le temps, mais aussi le soleil et la lune, ou le jour et la nuit. En tant que dieu de la fertilité et de la vie, il symbolisait le cycle annuel des saisons, commençant et se terminant dans le mois de janvier qui porte son nom. On le considérait également comme le fondateur de la vie sociale et de la civilisation. Il aurait été le dieu qui a libéré les gens de leur état barbare et les a conduits à une existence ordonnée.

Janus et Blariacum Le Blariacumcollege tire son nom de l'ancienne appellation romaine de l'actuelle Blerick. Blariacum, comme on l'appelait à l'époque, était un poste de soutien militaire le long de la Meuse pour les Romains au cours des premiers siècles de notre ère.

Je pourrais me demander si les Romains ont emmené leur dieu Janus avec eux à Blariacum, ou si c'était plutôt l'inverse et que Janus les a guidés jusqu'à Blariacum ?... Quoi qu'il en soit, il semble que Janus n'ait jamais quitté Blariacum au cours des derniers millénaires. En effet, comment expliquer autrement le hasard selon lequel non seulement le Blariacumcollege souhaite être la "porte" symbolique pour ses élèves, mais que le dieu Janus était également vénéré dans l'Antiquité en tant que guide et protecteur des adolescents en pleine croissance ?

La porte de Janus Avec la porte de Janus sur la rond-point devant le Blariacumcollege, je pense qu'une subtile synthèse entre idéologie, symbolisme, histoire et architecture paysagère peut être réalisée.

Mon concept repose sur une double construction de porte d'environ 8,50 mètres de hauteur, réalisée dans le style de construction romain en béton et en tuiles de terre cuite (- opus latericium -) ; une clôture en fer forgé croisée ; une tête de Janus en bronze de 1,50 mètre en couronnement. L'ensemble de la construction est basé sur deux éléments en forme de L identiques, placés de manière à angle droit l'un par rapport à l'autre à gauche/droite, de sorte qu'en approchant de la rond-point, on voit axialement deux portes différentes. Sur l'axe nord-sud, on voit une porte 'ouverte' et sur l'axe est-ouest, on voit une porte plus ou moins 'fermée'. *

Cette double porte s'élève à partir d'un bassin circulaire, dont la construction a un diamètre d'environ 14 mètres.

Au centre de ce bassin se trouve un puits en cascade circulaire d'un diamètre de 3,50 mètres, où l'eau tombe en cascade vers le bas. En essence, c'est le principe inverse d'une fontaine : l'eau jaillit calmement le long des côtés du bassin et retombe au centre dans le puits. Grâce à la force de l'eau qui tombe de manière concentrique sur une grille située en dessous, un léger brouillard peut s'élever de la fosse à des moments atmosphériques appropriés. **

Au sommet de la 'porte' ouverte, au point le plus élevé, on envisage une tête de Janus en bronze. Hauteur d'environ 1,50 mètre. Cette tête de bronze est littéralement la complétion organique de la forme, au sommet de.... Elle dissocie et harmonise. Unité dans la contradiction. Après réflexion, j'ai choisi une seule tête avec deux visages, au lieu de deux moitiés de tête qui se rejoignent presque (voir dessins et maquettes). Cela a beaucoup à voir avec les décisions ultérieures concernant la construction de base, qui en est ainsi devenue plus solide à plusieurs égards. D'ailleurs, les Romains représentaient la tête de Janus de différentes manières. Outre deux visages masculins identiques, il y avait aussi des combinaisons de soleil et de lune, ou d'homme et de femme. Pour ce projet, je penche pour une combinaison plus spécifique : un visage masculin classique romain/étrusque associé à un visage féminin d'origine africaine.

* Dans la Rome antique, le temple de Janus occupait une place importante. En temps de guerre, les portes avant et arrière du temple étaient toujours ouvertes. Elles étaient rituellement fermées uniquement en temps de paix. Elles ont été rarement fermées au cours d'une période de plus de 600 ans.

** Lorsque les premiers Romains sous Romulus étaient assiégés par des ennemis, ils ne parvenaient pas à fermer l'une des portes de la ville. Selon la légende, le dieu Janus vint à leur secours en créant une source de soufre à cet endroit, ce qui maintint l'ennemi hors des portes.

La brume montant de la cascade est une référence à cette source de soufre. De plus, l'eau qui circule dans la cascade est avant tout une métaphore de l'essence de Janus, le processus perpétuel de changement et de renouvellement dans la nature. Récréation après récréation.

Panta rhei ("tout coule" / "tout est en mouvement") : Héraclite

Alors même que j'étais encore au lycée, une fascination particulière pour la culture grecque antique a commencé à se développer. Un flux de révélations sinueuses s'est alors inscrit dans ma mémoire et ma réflexion. Un ensemble homogène de connaissances littéraires, mythologiques, historiques et philosophiques, dans lequel, last but not least, l'élément artistique ne doit pas non plus être omis.

Kranos Lorsque je suis allé en Grèce pour la première fois après avoir obtenu mon diplôme, ce fut une expérience exceptionnelle de pouvoir contempler de près les choses dans leur beauté originelle sous la lumière méditerranéenne. Cependant, j'ai ressenti une légère confusion, causée par l'écart entre ce qui subsistait aujourd'hui et ce à quoi cela devait ressembler autrefois. J'ai réalisé que même la décadence avait une certaine esthétique, et de plus, que l'esprit humain avait la capacité de compléter mentalement un objet presque inachevé ou endommagé par l'expérience spirituelle qu'il pouvait susciter. Ce qui m'a le plus marqué à l'époque, bien que cela soit resté inconscient, fut ma visite dans une galerie du musée archéologique d'Olympie. Je me suis retrouvé là, presque littéralement, face à une rangée de casques en bronze classiques... La forme d'un tel casque (en grec : Kranos), avec ses orifices oculaires spécifiques et sa protection nasale, a eu un impact psychologique énorme sur moi. J'avais l'impression de regarder un reliquat de bronze où l'âme de l'ancien porteur était encore présente et qui, à son tour, me fixait d'un regard perçant...

Forme de base Cette forme spécifique de casque/tête est devenue une forme métaphysique récurrente dans mes œuvres artistiques ultérieures. Cela a donné naissance à une série d'objets tels que "œil-de-bœuf", "elagabal", "imperméable ?", "imperméable percé" et "elagabal 2 (il lato oscuro del sole)". Tous sont des constructions sphériques creuses, et la différence dans le choix des matériaux tels que la pierre calcaire, le bois ou le plomb joue également un rôle spécifique dans chacun d'entre eux. Chaque objet constitue une œuvre autonome, mais on peut aussi les considérer chacun comme une maquette architecturale. Ce sont des concepts pour des espaces contemplatifs élevés où une réflexion sensorielle a lieu, une interaction entre l'intérieur et l'extérieur, l' observation sensorielle versus la perception intérieure. Comment la réalité des choses se manifeste est toujours uniquement la résonance subjective de celle-ci, telle qu'elle ne peut se produire que dans l'esprit de chaque individu individuellement.

Il s'agit d'un groupe de 4 sculptures réalisées en plâtre dentaire et en polyuréthane.

Dimensions de chaque sculpture : 75 x 35 x 35 cm

Le titre de l'œuvre est emprunté au livre du même nom de Maurice Genevoix, que l'on pourrait traduire librement par "Ceux de 14 (1914)". Genevoix y relate les horreurs qu'il et ses camarades ont dû endurer sur le front pendant la Première Guerre mondiale.

Quatre hommes nus, affectés par une infection qui progresse graduellement, une gangrène. Cependant, cette gangrène n'incarne pas seulement un processus microbien. Les corps subissent une métamorphose, où le tissu organique est lentement absorbé par une matière inorganique de structure artificielle. L'interprétation est multiple. Bien qu'il y ait clairement une nécrose physique, l'atteinte elle-même a une texture mathématiquement construite quelque peu indéfinissable. La guerre a peu à peu dévoré les corps. Des corps qui sont progressivement devenus des mécanismes, dévalués en matériel de guerre industriel robotisé jetable consommé avec négligence. Des produits jetables. Les hommes perdent progressivement leur identité humaine et leur individualité en fonction du degré d'atteinte, leurs poses varient du conscient à l'acceptation, à la résistance désespérée, à la folie et à l'agonie.

Indépendamment de la guerre, il est également question de savoir dans quelle mesure cette métaphore se poursuit aujourd'hui dans la société en raison des avancées continues de l'IA (Intelligence Artificielle) ?

▒ Plomb, acier, plâtre

Dimensions : 105 x 75 x 80 cm

Imperméable Fait partie de la série d'objets tels qu'Oeil-de-boeuf et Elagabal.

Une forme de tête/casque fermée, en quelque sorte flottant au-dessus de son propre ombre.

La sculpture est une construction sphérique creuse, hermétiquement close, en plâtre armé, revêtue de feuilles de plomb et surélevée au-dessus d'un ovale en acier.

Le titre de l'œuvre est tiré du terme français pour "imperméable". En raison de son caractère clos, il s'agit en réalité d'une image tournée vers l'intérieur, visant ainsi à évoquer l'inaccessibilité de la pensée individuelle ; à la protection totale de la sphère de l'identité personnelle qui est inaccessible aux autres.

La coque extérieure de la forme de casque est fabriquée en plomb. Outre sa densité, ce métal est caractérisé par deux propriétés ambivalentes : d'une part, il a un effet protecteur contre des radiations nuisibles, mais d'autre part, il est également toxique pour les organismes.

▒ Divers matériaux

Les dimensions sont : 260 x 100 x 160 centimètres.

Epifanie est une installation composée de deux parties. À l'avant se trouve une structure en béton cellulaire de forme de temple gréco-égyptien, tandis qu'à l'arrière se trouve un entonnoir en terre cuite partiellement submergé, soutenu par des troncs d'arbres brisés et calcinés.

Dans le temple se trouve une statue de kouros (jeune homme) éclairée depuis le haut. La pose de la statue puise son origine dans le canon archaïque des statues grecques : face à l'avant, debout en position droite, un sourire serein, les bras collés au corps avec les mains fermées, le pied gauche légèrement devant le pied droit. La statue représente un hommage à la jeunesse masculine.

"Épiphanie" signifie « apparition » ou « manifestation ». Dans cette installation, cela représente « le moment où la divinité se présente à l'homme » ou plus précisément « le divin en l'homme ».

Derrière le temple, un manteau de soldat en plomb est partiellement immergé dans un bassin ovale. Ce bassin a la forme d'un entonnoir de grenade, mais on peut tout aussi bien l'associer à une fonte baptistère ou à un utérus.

L'ensemble s'inscrit dans la série des œuvres de la Première Guerre mondiale, mais raconte essentiellement un continuum répétitif intemporel. La jeunesse quasi divine est souvent sacrifiée sans scrupules pour des intérêts souvent obscurs de l'ordre établi. Des générations d'individus sont brisées dans leur épanouissement, leur possibilité de vivre pleinement la vie leur étant retirée. Sic transit gloria mundi.

▒ Huile sur toile Dim. : 90 x 70 cm

Deux chevaux effrayés effectuant un mouvement de fuite vers la droite, loin de la terrasse sur laquelle ils se trouvent. Le bleu des chevaux est lentement absorbé par le ciel nocturne. La menace ominale provient de l'ouest, la direction d'où le soleil tardif éclaire le paysage. Ce paysage s'étend de gauche à droite depuis Orvieto en Italie jusqu'à une plaine de type toundra. Les contrastes dans l'ensemble ne se limitent pas seulement à l'utilisation complémentaire des couleurs ocre et bleues. La menace exprimée est métaphysique et représente la dissonance croissante entre la culture et la nature.